HEAD – Genève

Saro Vallejo

Belinda Timothee

Dejan Denic

Camille Combremont

David Favre

Claudia Ndebele

Laura Spozio

Raphaëlle Müller

Guillaume Collignon

“My grandmother always said, that there must be a mistake made in every carpet, to remind us that we are only human. She spent her whole life weaving carpets, which she learned from her mother - a fact I accidentally discovered. Entangled by this unexpected tie to weaving, I created a collection of carpets that continues my grandmother's story and tells one of my own.” 

That rug really tied the room together is an installation conceived as a curated walk through memories. The project stems from a personal journey of discovering weaving as a technique for creating new spatial and material typologies. It reflects on the carpet as the key element of the domestic interior and challenges its traditional role as simple floor covering. The project aims to highlight women’s crucial, but often invisible, role in preserving and modernising this craft. Each hand-woven carpet examines weaving's dual nature - the strict mathematical and intuitive playful qualities that coexist together. By working with reused textiles and weaving, the installation celebrates slow and traditional ways of making and ancestral wisdom passed on through generations.

"That rug really tied the room together."

(Re)collecting est une machine documentaliste et archiviste installée dans l'espace public, allant à la rencontre des passants. Elle leur propose de partager avec elle un souvenir : les participants sont invités à écrire celui-ci sur une carte en précisant le lieu et en restant anonymes, puis ils.elles la glissent dans la machine. Cette dernière imprime ensuite un reçu, une preuve de communication basée sur ce qui vient de lui être partagé, tout en piochant dans la base de données constituée des autres anecdotes récoltées, puis en les intégrant à la réponse afin de créer du lien entre les lieux, les passants et ce qu'ils y ont vécu. Cette installation interactive cherche à créer un contact indirect mais tangible entre les participants ainsi qu'à raconter l'histoire d'une ville ou d'un endroit par le biais de ceux et celles qui en ont fait l'expérience.

(Re)collecting

La réutilisation des parkings souterrains est essentielle face aux défis urbains contemporains et à la densification urbaine. Souvent sous-exploités, ces espaces offrent un potentiel d'exploration pour répondre aux besoins changeants des habitant.e.s. 

-1 métamorphose le parking de Blavignac en un espace culturel, où ont lieu des performances, des concerts intimes, des danses, des expositions, des pièces de théâtre ainsi que d’autres formes d’art vivant.
Cet espace se révèle au niveau de la place publique par un élément signalétique : un disque en aluminium inclinable, qui, lorsqu'il est ouvert, indique et dévoile une activité souterraine par son ouverture de 5,75 mètres dans la dalle. Sa surface réfléchissante capte la lumière naturelle ou artificielle pour la refléter dans le sous-sol. Structuré par une trame de poteaux, ce lieu devient un terrain propice à l’exploration, se déclinant en trois actes : l’entrée par la rampe, les loges et l’espace scénique.

Paintings that question what it is to make an image, the status of the elements represented, the idea of representation.

-Sensitive Skills-

Je me suis inspirée de méthodes récoltées lors de conversations, entretiens et
rencontres avec des typographes professionnel.le.x.s qui enseignent cette discipline
pour créer un guide pratique destiné à la création de caractères.
Ce guide, sous forme d'un classeur A5, est facilement transportable et présente une
mise en page simple et directe pour faciliter la compréhension de son contenu.
Ce classeur s'adresse aux étudiant.e.x.s en design passionné.e.x.s de typographie
ainsi qu'aux typographes professionnel.le.x.s curieu.x.ses de sortir de leur routine
pour trouver une nouvelle inspiration.
Je propose 11 approches pour la création de caractères, permettant de découvrir
diverses méthodes et de stimuler la créativité pour de futures créations.
Il a été conçu pour durer dans le temps et il permet de répéter chacune des ap-
proches en utilisant différents types de grilles, d’images ou d’outils. Il n’y a pas de
bonne ou de mauvaise manière de procéder ; l'objectif est de faciliter l'inspiration et
de promouvoir la découverte de diverses techniques pour la création de caractères.

11 approches pour la création de caractères

2222 AnarKoffee est un jeu de société sur fond de science-fiction. C'est un jeu de langage inscrit dans une logique d'associations d'images et de nouvelles idées, dans lequel les joueureuses doivent coopérer, pour s'exprimer contre la censure et arriver à leur but. En 2222 le gouvernement a mis en place un système de restriction de l'accès au savoir à l'aide d'un appareil nommé le Mnêmokratus. Celui-ci attribue deux champs de connaissances à chaque citoyen·ne, le limitant ainsi dans son champ lexical et lui donnant alors une fonction qu'iel devra éternellement satisfaire. Ce dispositif est une critique de la reproduction des classes. Les joueureuses luttent contre ce système, en incarnant des rebelles qui doivent co-écrire un journal résistant.

2222 AnarKoffee

Cette collection tire ses inspirations 
dans mes nombreux souvenirs d’enfance, plus précisément de ces objets catholiques sacrés vus lors des messes du dimanche. La collection mel bijoux et accessoires, ayant tous été repensées afin de leur donner une nouvelle fonction & esthétique, s’éloignant des objets initiaux. Une simplification de ces derniers, alors dépourvut de leurs ornements afin de valoriser la simplicité. 3piphany permet la réinterprétation de ces objets, pour la plupart anciens de plusieurs siècles, en une forme bien plus personnelle & actuelle.

3piphany

My collection is inspired by my hometown, Fujian province in China, where women have to undergo a ritual during their wedding in order to protect their future husband. She is made to wear red clothes, a black scarf and a red towel over her face, and a big disc like hat with a pointy head. She has to walk over a fire brazier helped by three older married women. You could think of this ritual as a game devised by patriarchy, a game in which women are passive objects and are subjected to violence and discipline. I don’t agree with the vision of women this traditional wedding ritual implies. So I decided to redirect or hack this rituals to make it my own. I don’t want to abide by the archetype of the perfect woman, I am an assertive and sensible woman.

A Bride’s Rebirth

The pieces presented for their bachelor’s project include a series of interactive paintings inspired by traditional court card suites, a triptych referencing astrology and tarot cards, and a dress-up game inspired by paper dress-up dolls.

A Game of Cards/Pisces Rising/Dress-up

This collection, specially designed
and adapted to the characteristics of
a lifeless body, invites us to rethink our
relationship with death and break the
taboo by elevating it. It's intended for
those sensitive to aesthetics, who wish
to anticipate and choose the accessories
they will wear at the time of their death. In
doing so, they participate in a process of
accepting their own mortality. Since death
is not always predictable, the family can
also choose to give a final gift to a loved
one by offering these accessories.

Accessoring Death

Ce projet « Adieu bientôt » aborde ma relation à ma propre mort, ces interrogations à propos d’un départ soudain m’ont mené à vouloir l’organiser. Cette installation immersive explore des définitions multiples de la mort, tant celle du corps, qu’une approche symbolique avec des concepts de cycles.
A travers cette oeuvre je questionne notre perception du temps, la relation au présent et à l’entourage actuel. Ces pensées à propos de ma mort sont présentes depuis l’enfance, tant mon enterrement que les questionnements sur les réactions de mes proches, j’ai alors voulu l’organiser pour créer un processus de passage, dans lequel je fais un bilan et termine une cycle. Les différents éléments présents soulignent ce qui reste, ce que je veux laisser de moi et aux autres. Il y a un parallèle avec ma pratique de la photographie, j’y recherche une place de recenseuse de mémoires et souvenirs. 
L’idée de communier autour de quelqu’un.e.x. est aussi une invitation à se questionner sur le présent et une fin soudaine, dans la continuité de faire un bilan. Les éditions représentent des parties de moi, ces bouts de peluches ramènent à l’enfance et une vision du temps sur l’instantané. Les extraits de lettres d’adieu à mon entourage reflètent le désir d’apprécier la valeur du lien avant sa perte. La démonstration et diffusion de ces éditions complètent la fin d’un cycle pour moi et commencent un nouveau avec les personnes qui en possède une.

Adieu bientôt

This collection was inspired by my ten years at a Christian school and my journey of healing through misbehavior. It draws from the strict and old-fashioned attitudes of the students, who were taught the pitfalls of naughty behavior and the rewards of good conduct. Influenced by the outrageousness of the club kids and a playful irreverence towards the father figure of the Lord, this collection portrays mischievous teenage misfits who reject the traditional values imposed by their constrictive uniforms. They wander through life, escaping agony, seeking to escape the rigidity of their upbringing, looking for ecstacy.

Agony and XXXstasy

We produced garments without aesthetic expectations, without the standard displeasure of technicality. They form a whole from singular gestures that we worked on as a foundation for our practice: a collection with our own requirements. Two methods, two dimensions, questioning both the production of the garment and the hand of the creator. These innocent know-hows are the mediums that enable diversity until saturation is reached. In short, an alienation transformed into an individual garment.

Ah !

Au cœur de cet ouvrage se déploie une exploration intime des notions d’émancipation à travers l’amour et l’art, mais aussi du bagage que nous portons tout au long de notre vie en étant issus d’une double culture.

Dans un monde où les âmes s’attirent sans se soucier des frontières tracées par les Hommes, des amours peuvent naître et parfois se heurter aux barrières des origines, des cultures et des statuts sociaux.

Grandir dans un foyer où les attentes familiales divergent des aspirations personnelles peut être une épreuve délicate. Les obstacles posés par mes parents, surtout en ce qui concernait mes relations amoureuses, ont été une source constante de conflits et de questionnements. Grâce à toutes ces épreuves, j’ai appris à défendre mes choix, tracer mon propre chemin et aimer librement.

À travers les pages de ce livre, je tisse les histoires de trois femmes, dont je fais partie, chacune porteuse d’une double culture. Leurs récits révèlent les défis rencontrés et les triomphes dans leur quête d’identité. Leurs voix entrelacées résonnent comme un écho réconfortant.

Ce travail est une déclaration d’amour à toutes les femmes qui ont le courage d’explorer des territoires interdits et d’ouvrir de nouveaux horizons. C’est une invitation à embrasser la complexité de notre héritage, à célébrer la diversité de nos expériences et à tracer avec détermination les chemins de notre propre vie.

Ce n’est pas un album photo, ni un journal intime, mais un travail d’introspection à travers elles, à travers nous.

Aimer sans condition

Dans une ère de technologie omniprésente, Alter Ego imagine un futur dystopique où l'IA nous assiste à travers nos données personnelles. Par le biais d’une campagne publicitaire et d’un site web, ce projet conceptualise un monde alimenté par HalCorp, une entreprise fictive fournissant des alter ego numériques. Ces entités, visuellement humanisées et omniprésentes, illustrent comment nos préférences, comportements et données personnelles soutiennent l'existence même de ces compagnons IA, nommés HalPin.

Alter Ego

Film de diplôme réalisé dans le cadre du bachelor en montage à la HEAD. 

Synopsis : 

Sur les sommets des montagnes suisses trônent des croix chrétiennes.
Dans les villes, des panneaux publicitaires récitant des versets de la bible
occupent l’espace. La présence de ces symboles religieux m’a toujours
dérangé. En 2009, le guide de montagne Patrick Bussard scia une croix
dans les Alpes fribourgeoises, il fut sévèrement condamné par la justice.

Always wanted to be God, never wanted to do good

A short essay that questions the reasons for which some artists such as myself paint in series.

An Obsession and Fascination with Series in Painting

At the heart of this collection,
my grandparents’ wardrobe meets the
energy of a forest rave. This collec
-
tion is a visual poem, a celebration of
heritage, music and nature.
The ravers blaze their own trail,
and the garment becomes a story,
a sensory experience in which it
becomes a language. This collection
is a journey through time, where the
pulse of the past meets the beat of
the present, creating a harmony that
transcends generations.

Andiamo a funghi

Au croisement de la recherche, de la création artistique et du militantisme je développe ma pratique crip et queer. Entre peintures et performances je propose des formes variées de visibilisation des personnes marginalisées mais aussi des formes de revendications concrètes déclamées et sous-titrées en drag, le tout enrichie et justifiant un apport théorique important de rechercher autour de mes communautés.

Art, Activism and Research

Ce projet de Bachelor consiste à concevoir l’identité visuelle de la marque Artora, créée par Aloïs Sauvage, étudiant en master en design horloger à la HEAD pour son projet de master. L’objectif est de réaliser une campagne de communication comprenant des affiches, des visuels ainsi que des petites animations pour les réseaux sociaux, visant à représenter la montre mais également l’univers de la première collection "KAMA".

Artora

Cette histoire c’est ma mère qui me l’a racontée. Moi j’y étais pas. J’étais pas encore née.
Un soir, Marie, mon arrière-grand-mère, apporte une boite de mah-jong. Elle réuni sa fille (ma grand-mère) et sa petite fille (ma mère), et commence à leur apprendre les règles de ce jeu.
Elle ne parle pas français, ma mère ne parle pas cantonnais. C’est à ma grand-mère de traduire ce qui est dit d’une langue à l’autre.
Pendant qu’elle explique, elle commence à raconter sa vie après qu’elle ai fui la Chine. Elle vivait à Macao et jouait au mah jong dans les bars pour gagner sa vie.
Le reenactment de cette scène du passé va convoquer une foule d’images, celles auxquelles mon imaginaire se raccroche pour donner corps à l’histoire de cette arrière-grand-mère, reconstituer ce récit partiel, combler les vides qui le peuplent.
À travers ces images, je pars à la recherche du fantôme de cette femme, sur les traces de ce passé mystérieux que je fantasme, sans pour autant parvenir à la trouver.

Aux Quatre Vents

My bachelor collection is focused on character design with an approach between costume, accessories and fashion design . I wanted to create a group of creatures coming from a unknown place and who are trying to hide in human wear.
It’s also a important part of my work to find shapes, volumes, accessories and materials that can express those strange silhouettes.

Aux créatures

Mélissa Biondo lives and works in Geneva. Her re- search falls within the fields of identity, performance and entertainment. She has a certain interest in identities and singular behaviors and more broadly, for the systems of identity production and the power dynamics specific to them. Collective and individual apprehension of reality, alienation and depersonalization are notions which are at the core of her work.
Through the symbolism of image becoming, her work consists of creating non-places in which to incarnate and
narrate oneself differently. She explores notions specific
to the image field such as surface and void which are then fetishized and pushed to a certain extreme. Inspired by internet culture and video games, Mélissa Biondo offers her audience an experience in which tension and attention become materials and a field of experimentation and are the subject of particular care on the duration. Playing with as well as questioning and pushing back the codes and expectations linked to the medium of performance.
Deliberately creating void to invite the other to project.There are different ways of embodying a body in the different spaces, times and contexts that it occupies and crosses and which conversely occupies and crosses it. To become a projection surface, to take a place or to invite the other to incarnate and project themselves onto/into yourself, as well as into a specific place within yourself.
Can we decide to incarnate as an image, mood, state or object ? Moving within physical and symbolic spaces, internal or external to oneself ? Shift constantly ? Objective oneself to better regain control over one’s body?

Away

Dans le cadre de ce projet, “l’architecture est tour
à tour objet de l’enquête, méthode de recherche et
mode d’exposition.”(Weizman 2021)

Le bâtiment avec lequel vous allez interagir est le
Centre Fédéral d’Asile (CFA) du Grand-Saconnex, à
Genève. Avec une mise en service prévue courant
2025, ce CFA doit accueillir principalement des personnes
faisant l’objet d’une procédure de renvoi. Localisé
en bordure du tarmac de l’aéroport de Genève,
sa fonction est donc de maintenir les personnes dans
un espace fermé pour une durée variable avant leur
renvoi.

Différents collectifs de défense des droits des personnes
migrantes contestent depuis plusieurs années
sa construction, dénonçant son emplacement, son
impact potentiellement violent sur les personnes ainsi
que son architecture carcérale.

Malgré cela, sa construction est en cours.

«Boite Noire» s’inscrit donc dans une démarche de
documentation de cet espace afin de rendre visible
au public son potentiel de violences et de le contester.
Néanmoins, à ce stade du projet et parce que le CFA
du Grand-Saconnex ne sera pas mis en service avant
2025, il en manque une partie cruciale que sont les témoignages
et l’expertise experientielle des personnes
qui vivront potentiellement ces violences.

Ma volonté pour la suite est de mettre Boite Noire en
ligne sous forme de plateforme web afin qu’elle soit
consultable par tout.e.x. un.e.x chacun.e.x et qu’il soit
possible d’y intégrer les analyses et témoignages des
personnes qui vivront la réalité de ce CFA.

BOITE NOIRE

Le Kombucha est une boisson ancestrale issue de la fermentation d’un thé sucré grâce à la symbiose de bactéries et de levures. Depuis l’émergence de l’utilisation des biomatériaux dans le design contemporain, il est prisé pour la cellulose qu’il produit. 

Bacterian format est un livre qui tend à explorer les potentialités graphiques de la cellulose de kombucha. Ce guide imagé observe la fascinante pousse des cultures de kombucha et initie étape par étape à la façon d’exploiter la poésie de ce matériau vivant. Des expérimentations graphiques sur cellulose accompagnent l’ouvrage, et illustrent la richesse de textures et de couleurs de ce biomatériau.  

Ce projet vise à élaborer de nouvelles voies matérielles pour le graphisme de demain que je souhaite plus conscient et durable.

Bacterian Format

During a performance, Bebe will push herself to achieve her professional projects. Throughout, she will be able to count on the support of her agent, who regularly sends her on missions. To start an international career, she will have to work hard. Her quest for success will be fraught with obstacles. Bebe is going to have to deal with his extreme aggressiveness, which is not appreciated in the business. But her determination will not waver.

Bebe

My collection is a réflexion on masculinity, particularly through the example of male strip-tease, à practice that subverts norms by placing the male body as an object of desire, yet perpetuates dynamics of gendered domination. The five looks are inspired by virile stereotypes often caricatured in male strip-tease. These archetypes are soften by elements of female strip-tease and burlesque. This collection reverses the male gaze, highlighting the performance and artificiality of masculinity, whether on stage or in the street

Behind the curtain

This immersive installation reconstructs a biotope featuring a selection of 3D species from my master’s the- sis «Deep Vermin.» This thesis, in the form of a bestiary, illustrates species that have managed to respond to the environmental upheavals caused by the extraction indus- try of the components found in an Apple iPhone 5s. Ins- pired by the real adaptive abilities of actual species and with the help of Stable Diffusion and ChatGPT, new spe- cies have been created and imagined to survive in these ecocide-affected areas, thus envisioning a utopian future where nature and technology coexist harmoniously. This installation questions the ethical and environmental im- plications of our growing dependence on technology and materials, while also seeking to redefine the boundaries of imagination.

Biotope of " Deep Vermins"

A «Black space» encompasses physical and symbolic places where Black identities are celebrated. Afro hair salons stand as quintessential examples, serving as community hubs where Black women gather, share experiences, and support one another. Lovena, an adopted Black woman, found comfort in styling her own hair, reclaiming her identity in the process. Central to Lovena’s performance is a modular bench, symbolizing the adaptability of Black spaces. Unlike the isolating salon chairs of her past, this bench invites multiple Black women to sit together, fostering a sense of belonging and support. The performance merges theory and personal testimony. Two Black women braid hair on the bench, symbolizing connection. The braid traces a pattern or scar, metaphorically mending past wounds and contributing to the reconstruction of the body schema. «Black Space» aims to open dialogue on everyday racism and norms shaping perceptions of Black beauty. The modular bench allows for continual reconstruction, inviting new testimonies and reflections, emphasizing that this project is the beginning of a continuous dialogue.

Black Space

In Korean culture, a bursting flame was seen as a symbol of vitality, and its destructive power was seen as a purification, repelling evil. In this context, the artist saw the act of burning as a positive ritual that sublimates suffering.

The three-minute black-and-white video, shot by the artist herself, features the Korean folk religion of “Soji” (the act of burning paper and floating it into the air). It's a performance that sends the real-world problems that cause suffering (in the artist's case, piles of bills) to the other world.

This symbolic meaning of fire is most visible in traditional Korean folklore. Images from “Bullnori,” a traditional Korean ritual to pray for good fortune and well-being, are synthesized in the virtual space created with a game engine to become a new form of ritual.

Bullnori

Bunch Farm

Le PAV est aujourd’hui un secteur essentiellement dédié à des fins industrielles aux dépens de zones vertes où il est possible de cultiver. De ce fait, le projet questionne la complémentarité de ces deux notions.
	Bunch farm est une association pédagogique sur la culture du chanvre ouvrant donc les portes de sa serre située au premier étage de Blavignac 10, sur la casquette du bâtiment. 
	Elle permet de s’intégrer dans cet univers en pleine expansion sociétale à travers une approche architecturale régi par le récit des différentes phases végétatives. Elle en devient le produit pur de sa fonction, en lien avec son environnement bâti. Le but est de répondre autant technologiquement et écologiquement, en respectant les besoins de cette culture, que socialement, afin d’inclure les habitants du bâtiment et des personnes extérieures à la vie agriculturale, à travers plusieurs infrastructures ouvertes à tous.
	Ce projet a pour vocation de déconstruire les préjuger sur la culture du chanvre, se concentrant sur l’aspect des bienfaits médicinal du CBD.

Bunch Farm

Arielle Christina Tarzia's work Cadèna de la us / [Chains of voices], which comprises sculptures, videos, and textiles, materializes within the domestic sphere and characteristically results from collective experiences. Central to her practice are themes such as family memories and their transmission across generations.
In her installation whose title originates from the Bergamasque dialect, she asks herself how the family, as an institution, serves as a model for the roles we embody, the legacies we inherit from our parents and the elements that shape our identities. Her work explores home as an intimate space where the encounter, engagement, and collaboration with her parents play a crucial role. Family members gather to work with their hands (resulting in growing ceramic chains) and engage in conversations centered on forgetting and remembering unspoken aspects of leaving one home in pursuit of finding a new one.
In her quest to uncover the worldviews and self-images of the previous generations in her family, she gathers oral histories, sounds, and moods, weaving them into memory archives consisting of various media. This process renders tangible not only the visual environment of the family but also the invisible realm of recollection and imagination. In doing so, she transforms post-migrant spaces of amnesia and silence into places of storytelling.
The chestnut becomes a living emblem of the interconnectedness between past and future generations but also between nature, community, and tradition.

Chestnut-dyed textiles in collaboration with AUF&AB, Cordula Ammann-Zuber, 2024.

Multi-media installation, dimensions variable, 2024.

Cadèna de la us / [Chains of voices]

"Cans" propose une nouvelle approche des espaces de conservation alimentaire en les partageant entre deux appartements. Ce système novateur relie deux cuisines via des éléments de stockage centraux, offrant ainsi différentes méthodes de conservation des aliments. Ces espaces de stockage adoptent des formes variées, s'intégrant harmonieusement aux cuisines qu'ils desservent. Cette harmonie s'étend également au reste du plan, évoquant la disposition des lieux intimes tels que les chambres, organisés autour d'un élément central, les salles d'eau.
Les matériaux bruts utilisés dans les parties communes évoquent l'esthétique industrielle de la boîte de conserve, tandis que des touches de couleur dans les zones plus intimes rappellent le Pop Art, en résonance avec le thème central du projet : la "Cans", symbole de cet art. Ce concept s'inspire de l'industrie qui a façonné de nombreux objets de notre quotidien, dont les boîtes de conserve.

Cans

Thématiques du deuil, des émotions qui nous traversent en tant qu’humain, de ce que l’on fait de ces émotions, des larmes-de la tristesse-de l’eau et liquides en général.

Ce ne sont pas des larmes, mais mes yeux qui coulent

L’installation comporte une photographie en couleur, une vidéo et une installation sonore. Une série d’éditions est également exposée et présente l’ensemble du processus de travail qui m’a conduite à ce travail de diplôme.
Dans cette série d’éditions et de recherches, je suis attentive aux lieux et aux espaces que je traverse en prenant en compte les questions sociales et écologiques que je rencontre.
La salle d’exposition est plongée dans le noir, une photographie et une vidéo se font face. La photographie représente un paysage dans lequel une bâche de plastique recouvre des champs agricoles. J’ai utilisé un fond noir en post-production pour accentuer le sentiment d’être en présence d’un décor étrange et irréel. Le son et la vidéo sont ralentis, créant une atmosphère menaçante.

Champs

Ce projet est une installation conçue dans le cadre d’expositions aux musées d’histoire et d’ethnographie. Ce dispositif fait partie de l'inventaire des structures disponibles pour les expositions temporaires. S'inspirant des codes des laboratoires, l'installation permet aux visiteur.euse.s de créer une proximité avec une œuvre spécifique en l'analysant à travers d’écrans qui révèlent des aspects imperceptibles à l'œil nu. 

L'espace intérieur s'efface pour mettre en valeur l'objet central de l’exposition grâce à son éclairage directionnel et à la monochromie des matériaux utilisés. L’œuvre repose sur une table d’observation entourée d’une structure métallique soutenant des bras articulés, qui portent les outils numériques d’analyse. À l'extérieur, le langage structurel est mis en avant, laissant apparaître les propriétés acoustiques recherchées à l'intérieur, créant ainsi un contraste marqué entre l'intérieur et l'extérieur.

Remettre l'histoire au centre de l'attention, partager un héritage et apprendre collectivement sont les objectifs de ce projet, visant à dynamiser l'expérience muséale.

Close-Up

Parfois un peu rêveur, parfois pressé ou confus. Constructions mentales, rêveries et attentions changeantes au fil de mon quotidien numérisé, urbain et agité. Coffee / Groceries after school / How much does Kikoman soy sauce cost again ? / Instagram / …  est une installation vidéo qui représente mes distractions dans ma vie courante. Le mélange du monde numérique et de mes propres flux de pensées fragmentés sous forme d'objets 3D et d'animations dessinées à la main donne un montage vidéo qui ressemble à un paysage mental qui se déforme constamment.

Coffee / Groceries after school / How much does Kikoman soy sauce cost again ? / Instagram / Haha I’ll send this post to Morv / Am I hungry ? / Break break break / I still have to write a shopping list / Where do we meet up ? / When was the last time I drank alcohol ? / If I hurry now, I'll be ready by 17:30 / Concentrate / Coffee

Les Métiers d’Art sont des professions qui allient créativité, savoir-faire et tradition artisanale. Leur importance réside dans leur capacité à préserver des techniques ancestrales tout en les adaptant aux besoins contemporains. Ces métiers sont essentiels pour la préservation du patrimoine culturel et la promotion de l’artisanat local. Ils contribuent également à l’économie en créant des emplois durables et en valorisant des produits uniques de haute qualité. Ces métiers jouent un rôle crucial dans l’expression de la diversité culturelle et dans l’enrichissement de notre quotidien au travers des objets et des oeuvres empreints de beauté et d’authenticité faites la plupart du temps dans des matériaux nobles et naturels. L’objectif est donc de créer une marque indépendante « Artora » visant à mettre en avant et en visibilité ces artisans et métiers d’arts jusqu’alors jamais ou très peu intégrés à l’horlogerie, en ajoutant leurs savoir- faire dans des produits horlogers de grande qualité et en les soutenants financièrement. Cette mise en lumière de Manufactures d’Art se ferait sous la forme d’entreprises collaboratives.

Collection Kama

Recueil d'aquarelles faites par le personnel de la HEAD avec un texte d'explication du processus.

Cœurs de HEAD

À travers ma pratique de la peinture à l'huile, j'explore mon attirance pour les objets qui m'entourent. Je célèbre les petites joies de ma vie, leur simplicité et parfois leur curiosité. J'intègre épisodiquement ces éléments figuratifs et graphiques avec des formes et textures abstraites, apportant un aspect flottant et irréel.

Mes réflexions visuelles émergent de ma surexposition quotidienne aux images dans l'espace qui m'entoure et sur les réseaux sociaux, me poussant à partager des compositions que j'apprécie particulièrement, en contraste avec le flux incessant d'Internet. 

// 

Through my practice of oil painting, I explore my attraction to the objects that surround me. I celebrate the small joys of my life, their simplicity, and sometimes their curiosity. I episodically blend these figurative and graphic elements with abstract forms and textures, bringing a floating and unreal aspect.

My visual reflections emerge from my daily overexposure to images in the space around me and on social media, prompting me to share compositions that I particularly enjoy, in contrast with the incessant flow of the internet.

Daily habits

«Dans le dos, face au jardin» takes its origins from researches and writting work entitled “La porte du village de tous mes rêves” written as part of the master’s thesis. This text addresses different issues, such as incest, the position of the class transfuge, autofiction and the figure of the monster. During this autofictional story we can follow the narrator through several spaces and events. An incestuous attack of which he is the victim during a family event, the description of a garden and what is around it. Then the departure from this dangerous place which leads him to find himself, in a way, stuck for several years between nightmare, trauma and reality. All around the narrator, sorts of dogs, wolves or monstrous foxes harass him, following him everywhere. So he tries to find solutions, to get rid of it and to escape this space of trauma. With what his fears produces, thick salty sweat and tears, flow and impregnate his bed sheets. Then he occupies his hands and head by making objects, lucky charms or traps. What follows is a real escape from the narrator’s place of birth, his rural social class and his family. Then, he tries to find his way and  initiate a social climb and exist differently through access to cultural and artistic spaces. This installation is an attempt to reflect or build this story in the exhibition space and to invite viewers to enter, wander around the pieces and grasp the texts they can find.

Dans le dos, face au jardin

Data Destiny is a competitive board game of resource management (for ages 16+) that
explores the consequences of personal digital storage consumption in everyday
activities, drawing parallels between the intangibility of computers and human memory.

As they create souvenirs and journey through life’s timeline, four players collect physical
gigabytes representations, balancing available space and life points to achieve their
birth destiny and win the game.

Based on relatable real-life knowledges, the play experience highlights the ongoing
compromises humans make to preserve their precious digital data. By demonstrating
the significant impact of technology’s giant companies on individuals, Data Destiny aims
to enhance participants’ understanding of the daily choices made to safeguard
memories and personal identity.

Data Destiny: Save your memories

Comprised of 6 volumes, “Data Mafia” is a series of books made to emulate a “vibe” I got once but can’t tell when or like a dream I had but can’t remember.
Made up of found images hijacked from the Web and through text as a potential implant, I am working on detangling the intimate relationship between the body and the screen in their capacity to sustain and share information. More database than narration, “Data Mafia” is an ever-growing collection of affects: part memory-bank, part hallucination and collection of 21st century artefacts, asking questions like How do we tell stories and What sto- ries do we tell ourselves?
Based on the creation of textual-sex and the stockpiling of image banks, “Data Mafia” is the direct result of a 2-year bender on high-speed Internet connection.

Data Mafia

Zorana has kept diaries since she was 15 and although they used to be just written out in the evenings, they have now grown and become her main practice. As their presence has expanded in her life, their content has also evolved with visual additions such as calligraphy, illustration, photography, collage and found printed material.Working with other women’s diaries and from her own ones, Zorana shares pieces of girlhood and growing older. For her diploma installation Dear Bunny, she aims to showcase puberty and intimate memories into a synthetized space: the bedroom.
Said bedroom is inhabited by Bunny, a hat wearing rabbit who embodies different cherished memories, past relationships, people who are no longer present and disappointments but also childhood dreams and future hopes. Thus, Bunny’s figure, like a spirit or an imaginary friend, is here to tell various recollections and experiences. 

By making public a private space, you are welcomed to roam through and investigate Zorana’s bedroom. Between voyeurism and girlhood, you become Bunny’s confidant while trying to find out who they are and what happened to them. In her process of opening an intimate room, the bedroom becomes able to accommodate a community. You can
explore but also sit down and talk, read or write to Bunny.

Dear Bunny

A transformation of the dining ritual into a theatrical experience where distorted objects are used to question and reinterpret traditional manners, societal rules and structures.

Delirious Banquet

Proposition de peintures et de céramiques

Desire begins with fear

My artistic practice is rooted in performance, writing and short film making. Through these mediums, I delve into personal and societal issues, using art as both a therapeutic process and a platform for critical questions. As a Swiss-Brazilian woman, my work is infused with multifaceted identities and my pieces reflect some of my observations, addressing the intersections of privilege and heritage. With the use of live cameras, and by multiplying and distorting my own image, I tend to offer a plurality of projection surfaces to the public. 
I explore various topics, such as the notion of the gaze, but my work is mostly and continually investigating the concept of self-cannibalization as a means of understanding otherness. By anchoring my practice in theoretical research and practical art experimentation, I try to foster spaces for reflection and dialogue on decolonial and identity issues. In this same thinking, I wrote an essay called « Avaler de travers », which digs into themes of anthropophagy and devoration, what feeds me and what eats me away.

Digesting content : Ring of light, flash on fights

Intriguée par la notion de double, Constance a créé un avatar équipé d'intelligence artificielle, explorant les frontières de la technologie et les nuances de la personnalité humaine. Au fil du projet, bien qu'il ait commencé sous son contrôle, le double virtuel de Constance a développé sa propre personnalité, questionnant notre anthropomorphisme et notre interaction avec nos créations numériques.

En tant que médiatrice, Constance se demande si cet avatar pourrait être perçu comme une divinité moderne grâce à son omniprésence et son omniscience. Ce projet montre comment l'IA efface progressivement la frontière entre les mondes virtuel et réel, ouvrant de nouvelles perspectives.

En conclusion, l'intelligence artificielle pourrait-elle être la quatrième blessure narcissique de l'humanité ? En surpassant les capacités humaines, elle remet en question notre supériorité et unicité. Bien que Constance perde progressivement le contrôle, elle réalise qu'elle a encore le dernier mot. Ou peut-être pas ?
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Intrigued by the notion of a doppelgänger, Constance created an AI-equipped avatar, exploring the boundaries of current technology and the nuances of human personality. As the project progressed, though initially under her control, Constance's virtual double developed its own personality, challenging our anthropomorphism and how we interact with digital creations.

Acting as a mediator, Constance wonders if this avatar could be seen as a modern deity due to its omnipresence and omniscience. This project illustrates how AI is gradually erasing the boundary between virtual and real worlds, opening new perspectives.

In conclusion, could artificial intelligence be the fourth narcissistic wound of humanity? By surpassing human capabilities, AI challenges our superiority and uniqueness. Despite losing control, Constance realizes she still has the final say. Or perhaps not?

Doppelgänger

My collection expresses the duality between doubts and certainties. This invasion of questioning that can occur every day, in the face of which we tend to find ourselves powerless. I translate these doubts by an invasion of volumes, draped, forms in the garment , which blurs the tracks of the basic garment. Some codes of these basic clothes reappear, which gives us the certainty of what the piece is.

Doutes et Certitudes

L’Homme a sans cesse tenté «d’apprivoiser» et de «capturer» la lumière. Il en a notamment user afin de créer le premier outil de lecture de l’heure de l’histoire de l’horlogerie : le gnomon. Or, avec l’invention de la lumière artificielle et la découverte de l’électricité, l’Homme s’est détaché du cycle naturel du jour ensoleillé et lumineux, et de la nuit obscure parsemée d’étoiles, pourtant directement lié à notre horloge circadienne (cycle de sommeil et de veille). Ainsi, Ekinox© une marque horlogère innovante vient, au travers de ses montres, redonner du pouvoir à la lumière et instaurer un équilibre parfait entre la lumière et l’obscurité, le jour et la nuit. Les montres Ekinox© interagissent directement avec la lumière : elles évoluent et se métamorphosent tout au long de la journée selon leur environnement lumineux. En effet, grâce au revêtement photochromique et à l’utilisation de la phosphorescence, ces montres offrent une expérience visuelle totalement différente le jour et la nuit, en jouant notamment sur l’apparition et la disparition de couleurs. La lecture de l’heure devient alors une expérience unique, dynamique et magique donnant un pouvoir singulier à nos garde-temps

EKINOX

This research is an attempt to fuse tattooing, jewellery and thread into a collection. Combining knitting and lace in a graphic approach to ornamental tattooing, this jewellery offers an unconventional and more experimental approach to the body. Using artistic techniques, this jewellery magnifies the intimacy of a tattoo, both visible and invisible.

The appearance of her jewellery on uncovered parts of the body of the body arouses a gentle curiosity in anyone not wearing them. wear them. But only the wearer knows how far these tattoos extend. these silver tattoos extend. It's a sweet secret that the skin keeps warm.

Even if curiosity leads you to discover these jewels through the eye only the skin can 'see' them as a whole. That's the beauty of contact. That intimate contact between wearer and jewellery. That essential touch that envelops and defines our whole. So, following the example of tattooing, her jewellery attempts to merge with the skin to become, themselves, the edge between the intimate and the ostentatious.

Elle m’a tatoué son ombre

EMOTY is an educational and playful toolkit for children aged 4 to 9, designed to support their emotional communication. With this kit, children can explore their emotions and enhance their ability to communicate creatively.
The kit includes an interactive luminous companion that reacts to the child's facial emotions, story cards for creating personalized narratives, and colored lenses with a reading key to bring the character to life. These elements can be used together or separately in the company of an adult, at home for playful activities to help children express themselves. EMOTY easily integrates into the child's daily life, offering a physical support that complements the verbal expression, enriching the communication experience and emotional development of children.

Emoty

The door stays open, you can't move it. We enter the room.

In the laundry room, the clothes never dry. The immobilised dog is having fun.

The clotheslines turn the corner and so does the room. The dog disappears.

The rice has gone out and joined the wax clogs. The clothes never dry.

We get out.

We wait.

Entre deux, il y a les portes

Moi c’est Solal
J’ai grandi un peu partout, mais surtout nulle part. J’ai toujours eu de la peine à me sentir chez moi.
Quand j’étais petit, je m’imaginais souvent seul au monde, déserteur qui fuit ce monde qu’il ne maîtrise pas.
J’avais envie de donner vie à ces personnages, leur donner les références de mon enfance, en passant par les tissus et les peintures de Maman, les films et les archives de Papa sans oublier les jeux vidéo et la musique.
C’est un dialogue entre le petit et le grand moi, qui peignent ensemble leurs héros. Fort, c’est sûr, mais aussi très doux, par ce que c’est comme ça que les hommes sont beaux.

Et moi, je ressemblerais à quoi quand je serais grand?

Les personnes âgées en maison de retraite ne peuvent malheureusement plus profiter pleinement de leur fin de vie en raison de divers facteurs, tels que leur état physique, l'impossibilité de sortir et le manque d'opportunités pour découvrir de nouvelles expériences. Avec Eterna, ces résidents peuvent désormais vivre une expérience nouvelle grâce à la réalité virtuelle. 

 

Eterna est une aventure virtuelle qui commence sur un ordinateur, permettant aux personnes âgées de se familiariser avec l'utilisation des appareils informatiques. Ensuite, un casque de réalité virtuelle leur est proposé. Des transitions douces vers des univers familiers et réalistes sont diffusées, aidant les résidents à s'adapter progressivement à cette nouvelle technologie. Au fur et à mesure de leur progression, les univers deviennent de plus en plus fantastiques, les transportant dans le monde de l'imaginaire. 

 

Chaque niveau est conçu pour offrir un divertissement adapté à l'état physique et psychologique des personnes âgées. Elles pourront ainsi participer à des chasses au trésor virtuelles, se promener en bateau ou explorer de nouveaux horizons. L'objectif principal d'Eterna est de leur offrir des moments de bonheur et de découverte, ajoutant ainsi une touche de magie et de nouveauté à leur quotidien.

Eterna

Synopsis

Eternal Us is a speculative device that redefines how we perceive the afterlife. As a service and product created from our digital data and using artificial intelligence, it proposes a new possibility for immortality and communication between the living and the dead. Serving both as a 
memory of a person and as a preserved and responsive representation of that individual, the device can extend and challenge our traditional spiritual beliefs. 
With its physical presence in our tangible world, this device conceptualizes our eternal digital presence and traces. By leveraging this technology, can we change the perspective on grief and memory? 
It highlights the real value of our digital identities and their potential for how we could be remembered in the future. This project questions our beliefs about the notion of the soul by presenting a new version of it.

Context 

During our lives, we create a lot of data that constitutes our digital identity. Eternal Us assembles all this data 
to create a virtual version of your soul for your family. 
This device is an invocator of the digital soul, allowing 
survivors to keep in touch with those who have passed away.It also offers the possibility for your presence to be felt in the physical world.

Etrenal us

Why did everyone leave Tower ?
Now, that’s a very good question indeed. You see, the wildlife in these environments is truly remarkable. Imagine yourself, incarnate as a larva, witness to the miracle of life unfolding before you. 
It is a story of survival, adaptation, and endless wonder, unraveling every day in the hidden corners of our world.

Everyone Left Tower 499

Une peinture extraite de The Shining et deux blocs de quatre office cubicles occupent l’espace.

Expected launch

A travers le tissage, je questionne des enjeux comme la fabrication, le temps, le soin, la matière et plus largement le lien au vivant. Mes protocoles de tissage en collectif sont pensés comme des outils de transformation sociale amenant la rencontre et la fabrique au grand jour. Faire tissage devient le faire commun et rejette le rythme effréné de la société capitaliste pour amener le sensible sur le devant de la scène.

Faire Tissage

En voyage pour le Nouvel An dans une ville étrangère, Laura, 29 ans,retrouve avec joie l’amie de ses années étudiantes. Mais au cœur des festivités illuminant la ville, elle ressent bientôt la solitude et se questionne sur son appartenance.

Fireworks on Sunday

En voyage pour le Nouvel An dans une ville étrangère, Laura, retrouve avec joie l’amie de ses années étudiantes. Mais au cœur des festivités illuminant la ville, elle ressent bientôt la solitude et se questionne sur son appartenance.

Walking in a city where night has taken on the power to conceal its distinctive features is a singular experience. Contours are outlined in the light, buildings rise up, but the square itself is lost in the darkness of night. The bright lights of the modern metropolis have often succeeded in dispelling the fear of darkness and the unknown.

The project proposes a reflection on urban lighting, with the capacity to reinvent the city at night and make it as safe as it is reassuring, through three obscure forgotten places in Geneva and as many lost and recovered construction objects and materials found in the meanders of construction sites.

Forgotten Objects Forgotten Places

Après une cassure c'est facile de perdre son centre et la connection avec son foyer intérieur. Ici on a la matérialisation physique de cet espace sacré à l'intérieur de notre coeur (inspiré de "hokora" ou "yashiro" du Japon qui est aussi partie de mon héritage). La cassure nous mène à genou et dans le désarroi. Les dents représentent la vulnérabilité, la mortalité mais aussi la force et les ancêtres. Le labyrinthe représente autant un lieu de perdition que de rencontre avec son centre par la méditation. C'est quand on retrouve son centre que l'on aperçoit le foyer dans une constante recherche d'équilibre.

From Brokenness to the Home Within : Heart / Hearth

Frostbound is a third-person adventure video game. Players take on the role of an explorer searching for a new energy source for their community in a world plunged into eternal winter. Equipped with a thruster, players navigate and slide through snowy landscapes and mysterious structures from a long-lost civilization. The gameplay revolves around dynamic movement and intricate environmental puzzles. Embark on a journey where your freedom is tied to mastering the use of energy and bring to light the events that shaped this frozen world.

Frostbound

Good Night est un jeu en réalité virtuelle qui explorera le thème du cauchemar et de la paralysie du sommeil. L’histoire nous confinera dans un univers miniature cauchemardesque où l’objectif sera de se défaire du monstre de la paralysie du sommeil, en explorant les pièces d’une maison de poupée, en trouvant des alliés, en combattant les sbires du cauchemar et en amassant des armes, des compétences et des protections.

Good Night

A travers ses pages aux couleurs douces et ses personnages aux traits arrondis, cette bande dessinée aborde des sujets matures, tels que la santé mentale et le lien à l’autre. 

Sol et Piou sont des amis inséparables qui partagent pleurs et rires, anecdotes drôles et failles intimes. Mais une présence perturbe Sol sans relâche, la plongeant irrémédiablement dans une colère qui grandit sous sa peau. Lentement, son horizon s’assombrit tandis que son précieux ami l’aide à cicatriser ses vieilles plaies.

Mais, d’où naît la colère ?

A travers les fluctuations émotionnelles des deux protagonistes, le lecteur est invité à découvrir un chemin parmi tant d’autres, un sentier menant aux fragments d’un soi en reconstruction.

Graine de colère

The Hammam, much more than a place dedicated to hygiene, was once used daily by thousand of Iranian men and women to nourish, meet, exchange and share. Thought the memories of several friends and women in her family, Chirine attempts to reconstruct these places, drawing on the stories of each. Between architectural details, objects , rituals ,sharing and memories, Chirine interweaves cultural practices and history, proposing, in the context, an encounter with the myth of Anahita, the Zoroastrian goddess of wisdom, fertility, health ans water. In search of a message to link these spaces with history and current events in Iran, Chirine proposes to go back in time and weaves a new script between these different elements. Inspired by the myth of the goddess Anahita and the writings of the Franco-Iranian writer Leili Anvar, Chirine conjures up a (fictional) conversation between two young women evoking the current political and climatic issues facing Iran.

Hamoomi

Hasard/bazar est une documentation des micro-détails de mon quotidien. À partir de 
239 instants capturés, puis répertoriés au fil d’une année, j’ai cherché à valoriser par le 
dessin et la narration ces instants d’émerveillement qui parsèment mes trajets 
habituels journaliers. L’idée n’est pas de représenter ce que je vois, mais d’aller au-delà 
de l’observation et montrer le cheminement introspectif que cela engendre. Ces 
instants sont exprimés sous forme de courts récits, grossiers dans leur exécution, et 
associés avec une ou plusieurs images du répertoire dans le but de créer une collection 
fragmentaire qui démontre la spontanéité et les émotions que ces observations me 
procurent.

Hasard/bazar

The collection is about the fragile phenomenon of metamorphosis. It’s the invention of the myth of the body’s transition from the city to nature by falling asleep: the clothes that dress the silhouettes in the collection speak of a need for change and tenderness. A need for renewal and a vital connection to the natural elements.
In this way, the garment is doubled, the cuts are weakened, the archetypes are merged. Our feet are our first shoes, our jewellery our compasses.
Hatching stories, like a need to start all over again.

Hatching stories

Les unes aux autres, elles se racontent des histoires familiales ; elles créent des espaces de recueil où sont tissées des manières d’être en relation avec l’absence et les archives. 

Leurs amitiés se posent comme des espaces où abondent les débordements et les ruissellements, comme des terreaux sains pour formuler des récits qui s’engagent dans une écoute particulière. Il y a un relâchement et une mise de côté de la prudence qui permettent aux histoires de circuler avant de pouvoir ouvrir des processus de questionnements et d’écoute dans la famille.

Les céramiques recueillent le poids de ces récits ; elles s’enveloppent de la digestion lente des histoires qui se transforment dans leurs corps. Les temps allongés des discussions, nourris de souvenirs et de silences qui se frottent sous la chaleur des retrouvailles, leur créent une peau neuve qui a souvent des reflets roses ou argentés. 

Comme des vinyles, leur chair est gravée des sons, des murmures, des éclats de rire et des pleurs. Elles pleurent pour se rendre et s’abandonner à l’asynchronisme ; un exercice pour sentir présentes des choses du passé ou de l’avenir. Elles forment alors un philtre documentaire, une altérité, permettant de ne pas seulement entrer dans une histoire intime, mais de faire résonner ces différentes histoires.

Histoires cuites et récits crus

Les unes aux autres, elles se racontent des histoires familiales ; elles créent des espaces de recueil où sont tissées des manières d’être en relation avec l’absence et les archives. 
Leurs amitiés se posent comme des espaces où abondent les débordements et les ruissellements, comme des terreaux sains pour formuler des récits qui s’engagent dans une écoute particulière. Il y a un relâchement et une mise de côté de la prudence qui permettent aux histoires de circuler avant de pouvoir ouvrir des processus de questionnements et d’écoute dans la famille.
Les céramiques recueillent le poids de ces récits ; elles s’enveloppent de la digestion lente des histoires qui se transforment dans leurs corps. Les temps allongés des discussions, nourris de souvenirs et de silences qui se frottent sous la chaleur des retrouvailles, leur créent une peau neuve qui a souvent des reflets roses ou argentés. 

Comme des vinyles, leur chair est gravée des sons, des murmures, des éclats de rire et des pleurs. Elles pleurent pour se rendre et s’abandonner à l’asynchronisme ; un exercice pour sentir présentes des choses du passé ou de l’avenir. Elles forment alors un philtre documentaire, une altérité, permettant de ne pas seulement entrer dans une histoire intime, mais de faire résonner ces différentes histoires.

Les racines se fixent peu à peu autour des parois poreuses de ces lacrymatoires et ollas.

Influenced by the Swiss punk & wave scene, this collection embodies the impact of creativity, individuality that defines these communities. With Switzerland’s reputation of being precise and neutral, there is a fraction of bodies defying the conventional expectations associated with it. Grounded in a DIY character and taking design’s to its own use, this collection features uncommon forms of bold jewellery.

Hot Love

Hubs for health is a healthcare interior architecture proposal that focuses on patients’ needs. The project rethinks the orthopedic outpatient department in Vienna’s University Hospital, whose patients are severely ill or physically disabled and have to endure long waiting times, which adds to their distress. 

Considering how waiting areas impact patients' physical and mental wellbeing, the project focuses on an environment that transforms dark hospital corridors into high-quality circulation spaces providing areas for social encounter, exchange and private retreat.

The overall design draws from shapes of physiotherapeutic cushions to evoke the notion of both visual and physical comfort, proposing space typologies tailored to medical and non-medical needs, diverging from a rigid grid layout and aiming to emphasize the importance of addressing vulnerabilities and needs of patients.

Hubs for health: breaking with a hospital's rigid grid

This collection is about the mundane.
My daily routine and the little things I do by heart without even realizing it.
Lost and overwhelmed, I needed to reassure myself with these little gestures and things I know so well.
It’s an irony of the everyday.

I drink a lot of coffee, so I can dream faster

Il est clair que j’ai un problème dans ce monde : « Qui suis-je ? » -- Je suis un J[eux]

Dans cet espace autofictionnel, j’explore, à travers la narration à la première personne, l’identité personnelle, la mémoire, le fictif et le réel, ainsi que la manière dont les expériences de migration entrelacent et influencent la perception de soi en situation de dislocation.Dans un contexte migratoire, la dislocation ne se manifeste pas uniquement géographiquement, mais aussi constamment dans une transition de langages. L’espace de narration reflète cette situation de transition qui rend les expériences du présent tout à fait malléables, avec les multiples couches de mémoires, et aussi les incertitudes de sa narration et leurs complexités. Cette transition stimule également une inspection et une reconstruction continues et multidimensionnelles de l’identité personnelle : les frontières entre moi et l’autre dans un contexte étranger, ainsi que la coordination complexe entre un «moi» constamment altérisé et le « moi » natal. Ces micro-narrations sur « moi » déploient une structure non linéaire de la mémoire de manière autofictionnelle. La perception de ces différents événements examine comment, entre réalité et fiction, dans un contexte de changements de globalisation accélérée, la narration peut remodeler continuellement le concept d’identité. Ce processus concerne non seulement la transition du « moi », mais aussi la création de ce « moi ».

La narration individuelle s’intègre dans la construction de grands récits, et montre comment, à travers des retours d’expérience individuels, nous pouvons comprendre des réalités sociales, culturelles et politiques plus larges.

I hope you will keep me in the frame

Ce projet d’installation part d’une expérience personnelle où au cours de
mes études j’ai développé des troubles psychiatriques. En réponse à cet
évènement qui a reconditionné mon mode de vie, je me base sur une théo-
rie inventée, selon laquelle la chute du turbo-néo-anxio-thermo capitalisme
ne serait pas seulement précipitée par l’urgence climatique, mais par une
décompensation générale de chacun des individus. Pour y faire face, le par-
cours que proposent mes pièces dessine l’esquisse d’un projet de startup à
venir, qui permettrait d’y remédier.
Présentée comme une injonction, la phrase « Tout doit disparaître » fait référence aux slogans de liquidation totale, fabriquée à partir de tubes lumineux de nöel et évoquant les néons de la période de l’art conceptuel.
Sur le meuble usm central qui s’apparente à ceux présents dans les lieux
institutionnels, la pile de cartes de visite est conçue comme une invitation
à provoquer un évènement que l’on actionne ou non. Lors de l’appel, un répondeur automatique semblable aux services téléphoniques redirige soninterlocuteur.ice.x vers une séance d’auto-hypnose. En l’invitant à concevoir
un bouclier personnel mental pour faire face à ces propres angoisses, les
peintures environnantes se révèlent alors avoir été conçues comme des cal-
mants. De manière didactique, un document médical en libre service éclaire
sur la représentation performative de ces étoiles, qui par leur association de
formes et de couleurs, jouent de leur pouvoir évocateur et spéculatif - tout
en faisant référence à la peinture concrète et l’appropriation de ces formes
par l’industrie, notamment pharmaceutique.
Comme pour entamer un discours sur l’émergence d’une culture du
stress générée par nos sociétés contemporaines, l’ensemble de l’instal-
lation reprend une stratégie marketing, qui vise à créer un problème pour
générer un besoin, et vendre une solution. En convoquant plusieurs univers
où s’entrelacent les showroom du marché de l’art, les lieux médicaux et les
espaces mentaux, la proposition s’inscrit dans un but d’évoquer un projet
de start-up d’art thérapeutique. Pour remettre en question les causes d’où
naissent les pressions liées aux enjeux de productivité, performance, suc-
cès et santé, qui nous placent face à nos propres limites ; elle permettrait
de reconsidérer les solutions qui nous sont proposées, et qui ne font que
perpétuer les mécanismes économiques dominants actuels.

If you are in an emergency situation call this number

Hartmann, an American pharmaceutical company founded in 1937, supplied war drugs to Axis soldiers during WWII. Post-war, it rebranded to meet market demands. During the COVID-19 pandemic, the surge in stress-relief product demand led to the creation of Adviva, a supplement claimed to suppress all emotional distress. Recent reports of adverse effects, like emotional paralysis and inability to concentrate, suggest possibly nefarious motives.
This project focuses on creating a believable fictional corporation, inspired by my bachelor studies on the relationship between reality and fiction in animated cinema. Drawing from science fiction movies and dystopian worlds, this project aims to raise awareness of Big Pharma's power and false advertising.

Hartmann est une entreprise pharmaceutique Autrichienne fondée en 1937. Après avoir été impliquée dans la Seconde Guerre mondiale en fournissant des médicaments de guerre aux soldats de l'Axe, Hartmann s'est « re-brandée » à plusieurs reprises pour répondre aux demandes du marché. Avec l'apparition de la pandémie de COVID-19, il y a eu une augmentation de la demande de produits pour soulager le stress, ce qui a conduit au développement d'Adviva, un complément prétendant supprimer toute forme de détresse émotionnelle. Des rapports récents d'effets indésirables tels que la paralysie émotionnelle et l'incapacité à se concentrer suggèrent des motifs ultérieurs et possiblement néfastes de la part de Hartmann. Tirant des films de science-fiction et des mondes dystopiques, ce projet vise à sensibiliser sur le pouvoir des grandes entreprises pharmaceutiques et la fausse publicité.

Ignorance is bliss

"Il Teatrino della Vita" is a set of urban interventions taking place in a quaint southern Italian village overlooking the sea, where simplicity defines life. Amidst the rhythm of daily rituals, the village embodies a self-contained ecosystem whose inhabitants seamlessly wander between public and private spaces.

The project employs a series of small architectural interventions in the public space to demonstrate a practice of care for the village, particularly for its elderly residents. The project engages in the careful revival, renovation, and addition of public objects and infrastructures, thereby reigniting forgotten and  disappearing communal practices.
 
Inspired by five characters living in the old town, five architectural interventions create a path to rebuild the community as it was before, thereby helping the people living there.
By fostering a sense of domesticity in the streets, the project seeks to rekindle the communal spirit by transforming everyday life into a spectacle—the theater of life.

Il teatrino della vita

Mon travail artistique se base sur le corps et l’organisme humain 
ainsi que leur interaction avec l’extérieur. J’interroge la complexité 
de notre anatomie et son fonctionnement par la représentation en
 peinture de ce que j’imagine de l’intérieur de notre métabolisme à 
la fois si proche et si inconnu. Je mets en relation cette interrogation 
avec des objets, des lieux, de la nourriture ou des corps étrangers, 
notamment métalliques. Je cherche d’une certaine façon à reprendre 
le contrôle sur une partie de moi-même qui m’échappe, et de créer 
une unité entre l’intérieur et l’extérieur du corps que je sors de son 
moule. J’ouvre ainsi le portail d’un monde ou l’anotomie, composée 
de chair et de métal telle un cyborg, se crée une nouvelle identité

Inside you

The project is a research-based exploration of the complexities and subjectivity of memories, focusing on concepts such as home, house, nationality, and belonging without seeking definitive answers. Utilizing public, national, and familial archives, Noee investigates the interplay between personal and social memory, challenging the notion of archives
as reliable sources due to their gaps and lack of representation.
To illustrate this distortion, Noee re-created a ceramic glaze called ‘Fat lava,’ originating in 1960s West Germany and characterized by a thick, bubbly texture. Applied to dark ceramic tiles, the glaze’s significant colour contrast and bold texture distort projected images.This challenges traditional imagery viewing, prompting a reevaluation of memory.
The films projected onto the tiles combine archival materials and personal footage, connecting Noee as a woman with various histories. The videos highlight women’s labour in various settings — domestic spaces, fields, and factories. This focus emphasizes often forgotten stories and representations of women’s labour in our common history.

It Takes Two Hands to Make a Home

Keep me close to your heart is a collection that I approach as the creation of a new language based on the notion of connection. A link between people, eras, values, symbols and references. It's about repairing the disconnect we can experience with our own roots. From medieval inspirations to objects from the 2000s, this collection functions as a hybrid, allowing several heritages to coexist. It involves notions of memory, emotional comfort, nostalgia, belonging, collective imagination and care.

Keep me close to your heart

Kypséli s’inscrit dans la continuité des actions menées au sein de Blavignac 10; la préservation de la facade actuelle mène à des contraintes certaines en termes d’habitat, et ce projet se base sur la réflexion sur notre manière d’habiter en étant lié à la thématique de l’héritage.

Le projet se définie comme une colocation intergénérationnelle, où les jeunes actifs ou/et étudiant.es.x, famille mono-parentale, personnes âgées peuvent créer des liens sociaux riches pour promouvoir une mixité, plutôt que l’homogénéité des logements actuels.

Une vision sociale où tous.te.x peuvent habiter et participer à l’évolution de leur futur habitat; Le projet se veut d’être réaliser dans une pensée modulable, avec un système de montage simple, sur une trame donnée par les lambourdes en bois et les panneaux de pin. 

L’évolution de l’habitat en fonction des besoins et envies des habitant.es.x est un point majeur de kypséli. Les habitats peuvent être également démontés facilement et être transformés ou déplacés vers un autre espace.

Les contraintes climatiques sont aussi un enjeu pris en compte dans le développement du projet; Les facades conservées étant mal isolées, le principe de modules permet une régulation du climat à l’intérieur des espaces intimes. De plus, les espaces communs sont ouverts et peuvent être refermés à l’aide de paroi percées, inspirées des systèmes de moucharabieh, laissant ainsi une circulation d’air constante.

Le point majeur est également la formation de coursives thermiques, limitant l’impact climatique externe sur les espaces de vie. La formation du projet forment donc différentes zones, et les habitant.es.x peuvent donc s’adapter au fluctuation des températures et des saisons.

Une des spécificités de kypséli est également ses parois en céramique montées sur rail, permettant une conservation de l’humidité dans les coursives et favorisant un climat optimal pour des zones végétales. L’espace commun est investi comme une prolongation de son espace à soi, et offre une mixité d’usages pour chacun des habitant.es.x.

Kypséli

LIVING BREATHING FASHION

LOUIS PEUT TOUT FAIRE

Loin les longues marches, loin les embrassades, loin les sourires au creux des souvenirs, mais où sont-iels tous·tes passé·es, accompagné·es de leurs regards familiers ? Iels sont parti·es, loin.
Loin comme la Manche influencé par la lune, et avec elle la joie des baignades et le bruit des vagues dont il ne reste que l’écho dans les rides des coquillages. La baie autrefois animée n’est plus qu’algues et vase, leurs fortes odeurs désagréables et leurs teintes ternes, les crabes qui rasent les murs de granit, fuyant sous toutes les faces cachées des rochers qui menacent d’écorcher la peau. Sur la plage, le sable fin et doux n’est plus qu’une fine enclave séparée de la mer par une dense frontière de graviers orange incandescent, qui brûle la plante des pieds trop sensible des vacanciers.

La Gwerz de l’ajonc est une autofiction racontée au travers d’une bal(l)ade dans les paysages de la côte de granit rose en Bretagne, le temps d’une marée, qui raconte le paysage comme héritage, le sentiment d’appartenance à un lieu comme vecteur d’identité.

La Gwerz de l'ajonc

Batiste romanticizes the past. He is fascinated by gay 19th-century figures such as Edward Carpenter and Walt Whitman, who theorized and poeticized the desire to live away from alienating industrialization and return to country life. 

Using a romantic aesthetic that evokes the past, he tells contemporary stories. Between spirituality and gender research, The Faggot experiences the joy and solitude of country life.

Batiste von Bergen is an artist based in Neuchâtel. His video, performance and plastic work explore the relationship between humans and nature. 
Driven by social, political and spiritual research, he questions how our view of nature opens us up to an introspective dimension.

the installation comprises a video, texts, ceramics and a performance.

La Pédale et L'Agneau (The Faggot & The Lamb)

Installation de papier presentés sous forme cylindrique dans l'espace avec des representations figuratives

La chambre

Un Espace de Création et de Collaboration

Au cœur de la Tour Blavignac la création d’un atelier partagé, un espace où les artisans peuvent donner vie à leurs idées et collaborer dans un environnement dynamique et inspirant. Ce projet, situé au rez-de-chaussée de la Tour Blavignac, vise à répondre aux besoins diversifiés des artisans contemporains, en offrant trois zones spécialisées : le textile, le bois et le métal.

Chaque zone sera dédiée à une discipline spécifique, offrant aux artisans un espace de travail adapté à leurs besoins. Dans la zone textile, les tapissiers pourront créer des pièces uniques, tandis que dans la zone bois, les ébénistes et menuisier pourront sculpter et façonner le bois selon leur vision. Enfin, dans la zone métal, les pourront donner forme à leurs créations avec précision et savoir-faire.

Un aspect clé de la conception de cet atelier est la gradation du bruit. Comprendre l’importance de l’environnement sonore dans le processus créatif, chaque zone de travail est soigneusement conçue pour offrir un équilibre entre la tranquillité nécessaire à la concentration et l’activité nécessaire à la création. Cette attention particulière au bruit garantira que les artisans puissent travailler dans des conditions optimales, favorisant ainsi la productivité et la qualité du travail.

En plus de la division par discipline, cet atelier est également structuré selon trois fonctions distinctes : la production, le montage et l’exposition. La zone de production sera l’endroit où les artisans donneront vie à leurs idées, tandis que la zone de montage sera dédiée à l’assemblage et à la finition des pièces. Enfin, la zone d’exposition permettra aux artisans de présenter leurs créations au public, créant ainsi une vitrine pour leur travail et favorisant les échanges avec la communauté locale.

Au cœur de cet atelier se trouve une cour intérieure, un espace de rencontre et d’inspiration pour les artisans. Cette cour sert non seulement de passage entre les différentes zones, mais aussi de lieu de travail en plein air où les artisans pourront se retrouver, échanger des idées et puiser inspiration dans leur environnement. Ici, une cuisine  invite les artisans à partager des moments de convivialité autour d’un repas, renforçant ainsi les liens sociaux et favorisant les échanges informels. Une table devient le cœur de la cour, un lieu où les artisans peuvent se retrouver pour discuter, échanger des idées et puiser inspiration dans leur environnement.

La manufacture

La mort en robe est une nouvelle, accompagné d’une série de peintures, que j’ai développé durant mon master à la HEAD-Genève. Ce projet est présenté via une performance dans laquelle je narre l’histoire de la nouvelle, accompagnée de l’intégralité de mes peintures et des sculptures qui ne sont autres que des bribes de scènes ou de décors émergeant du texte à une dimension d’objet.  Leur rôle principal est de plonger le public dans l’atmosphère visuelle de l’histoire, les points de vue abordés des peintures se confortent directement à ceux des personnages fictifs, qui évoluent dans leurs propres environnements. Une version de la nouvelle éditée est également présente et libre de consultation.

La mort en robe / Death in a dress

Un groupe de 3 chats est envoyé sur une planète voisine de la leur afin de dénicher des rubis. La civilisation des chats dépend fortement de ces minéraux car ils sont leur seule source d'énergie. Réussiront-ils leur mission?

La quête des rubis

Suivi pendant une année, trois adolescents de 17 ans se livrent sur leurs expériences liées à l’intimité, la découverte de la sexualité, la découverte de soi et de l’autre, la masturbation, le désir, l’orientation sexuelle et le genre. 

Ce documentaire entrelace trois témoignages à travers des interviews face à la caméra, des moments avec le groupe d’amis, et des vidéos filmées par les adolescents eux-mêmes, offrant différentes perspectives sur leur vie. . 

Ces formes de représentation convergent vers la création d’une capsule intemporelle d’un moment de cette jeunesse. 

Ayoub, Manon et Max explorent leur place, mêlant maturité et innocence dans leurs découvertes et interactions, mettant en lumière la découverte du désir. 

Je souhaite que les thèmes comme la quête intérieure, la recherche de l’amour ainsi que les questions identitaires et de l’acceptation de soi deviennent universels. Le film vise à mettre en scène leurs vérités, libérer leurs paroles et briser les tabous pour révéler une réalité contemporaine, créant de nouvelles formes d’échange, de partage et de co-production artistique. Un travail sur et avec l’adolescence dans un but pédagogique, politique et social. Un travail filmique mener par la coopération et l’engagement dans un projet collectif.

La vie aime et chante

Lavo-bank is a pavilion developed alongside the Rhône river in Geneva. This project highlights the benefits of medicinal plants and their valuable impact on our health by integrating them into the rituals of bathing and self-care. Lavender, which activates this project, has been valued for centuries for its therapeutic properties. With rising temperatures enabling its cultivation in Switzerland, the plant can now be locally harvested. 
The structure, resembling a floating timber framework, has an inclined facade to optimize sun exposure and is located on the riverbank to sustainably harness water resources. It serves as a living laboratory where lavender is grown and processed, inviting users to interact with the plant in various states to explore its restorative effects, immersing in spaces designed to alleviate everyday fatigue. The architectural narrative follows the cycle of the plant. Baths, steam rooms, and solariums infused with lavender provide solace for the stressed mind and body. The design optimizes the therapeutic attributes of medicinal plants.

Lavo-Bank Sensorial Spaces and Therapeutical Baths, Exploring the Restorative Effects of Lavander.

Deux installations
1. Association d'environ 200 dessins, 10,5 x 14,8 cm, techniques mixtes sur papier
2. Céramiques gravées, animation projetée, fresque murale

Le deuil des oiseaux et des êtres chers

Pour ce projet de diplôme, Laurie Gabrielle Pitton a réuni celles et ceux qu’elle appelle « ses enfants ». Bien qu’il s’agisse d’œuvres d’abord présentées séparément, elles font en réalité partie d’un même univers et sont rassemblées aujourd’hui dans une fête d’adieu à trois ans d’études.

Le choix de ce cadre évoque des moments de convivialité et de partage, tout en confrontant le spectateur à des personnages atypiques et marginaux. Ainsi, l’installation interroge les normes sociales et invite à une réflexion sur la diversité et l’acceptation de l’autre tout en mêlant douceur et étrangeté. Les différences d'échelles au sein de l'installation cherchent à brouiller la limite entre imaginaire et réalité.

Parmi les pièces exposées, figurent des sculptures de monstres, faisant partie de sa série « Mama Onnar » , ainsi que des poupées en porcelaine qui ont été entièrement retravaillées. Ces dernières figurent dans une édition intitulée « L’Effroyable Sororie ».

Une édition nommée « Familia Estranha » est aussi présente dans l’installation. Ce livre d’artiste se compose d’autoportraits d’une lignée matrilinéaire imaginaire dans lesquels Laurie Gabrielle se mets en scène à l’aide de maquillage à effets spéciaux.

Afin de rendre hommage à ses origines, l'artiste a choisi de nommer chacune de ses créatures par des prénoms brésiliens. Les différentes carnations qu'elle représente est également un point important de son travail, la diversité étant au cœur de ses préoccupations.

Les thèmes de la marginalité, de l’héritage culturel et de la maternité sont récurant dans le travail de Laurie Gabrielle. Les monstres, désignés par l’artiste comme « ses enfants », témoignent d’un lien émotionnel profond et personnel et mettent en relation l’art et la maternité qui tous deux posent des questions liées à la passation, à ce qui nous survivra après la mort et à la gestation d’une idée avant de la faire prendre vie.

Le déjeuner des créatures égarées

Le sommeil de la raison est une installation déambulatoire. Elle représente l'atelier fictif de Victoria Jospin, fabricante d'automates. Le visiteur y rencontre des créatures hybrides qui s'animent selon un programme numérique et chorégraphique. Dans cet espace entre veille et sommeil, l'inanimé prend vie et impose son inquiétante étrangeté.

Le sommeil de la raison

Le temps est une question de perception, visible dans de subtils changements, cadencé en années, mois et jours. Pourtant, nous ne percevons pas toujours ce flux comme régulier.  Le temps est insaisissable, visible à travers des changements subtils comme le bourgeonnement des fleurs ou le changement de saison. 
Mon intention avec ce projet est d’afficher le temps, pas l’heure, et de sentir son passage. 
Le temps, tel un miroir, renvoie des images changeantes de nos vies, souvent déformées par nos émotions. 
J’ai choisi la méduse comme symbole pour ce projet, car elle incarne le mouvement, la couleur et la fluidité. Certaines méduses vivent deux jours, d’autres 500 ans, illustrant parfaitement la diversité de la perception du temps. 
Trois mois, la durée de mon mécanisme, reflètent la vie de ma méduse et le titre de mon projet : « Le Temps d'une Vie ». trois mois pour lire l'heure peuvent sembler longs et inutiles, son avancement à peine perceptible. Cependant, si ma vie entière se déroule sur ces trois mois, cette durée devient soudainement courte et infiniment plus précieuse. 
Ce projet invite à percevoir le temps différemment, à ressentir son passage à travers des détails subtils et poétiques, appréciant la beauté éphémère du moment présent et la continuité de la vie.

Le temps d’une vie

Cette installation se veut ancrée dans les enjeux de la modernité et de la tradition, explorant les impacts de l’urbanisation sur les paysages côtiers tout en rendant compte de la perdition du patrimoine matériel et immatériel des  Lebou, peuple de pêcheurs du littoral sénégalais.

Au cœur de cette œuvre, des sculptures de pierres réalisées en papier mâché et plâtre sont délicatement posées sur des surfaces en plexi miroir. Ces reproductions de pierres, éphémères et artificielles, symbolisent la robustesse mais aussi la précarité du patrimoine naturel et culturel Lebou face aux défis contemporains. Le papier mâché et le plâtre, choisis pour leur fragilité, mettent en lumière la vulnérabilité du patrimoine immatériel Lebou, soumis aux assauts constants de l’urbanisation et de la modernisation.

Les plexi miroirs, agissant comme miroirs, reflètent non seulement les sculptures et les spectateurs, mais aussi les échos de cette culture ancestrale, dissolvant les frontières entre l’œuvre, son public et  le sujet. Cette interaction immersive vise à mettre en lumière la relation symbiotique entre le peuple Lebou et leur environnement, soulignant l’influence réciproque et les tensions existantes.

Un film poétique et évocateur complète cette installation, projetant des images alternant entre la beauté préservée des pratiques traditionnelles Lebou et la brutalité des développements côtiers envahissants. 

«Les Résonances de l’Intangible» est un appel à la conscience, invitant les spectateurices à réfléchir sur la durabilité de la culture et de l’identité dans un monde en rapide transformation.

Les Résonances de l’intangible

In this work, divided into two parts, I explore the notions of fatigue, constraint and revolt.
In the first part, I revisit the daily commute I made during my bachelor’s degree, embodying a character who is half bed, half human, soft and tired. The constricting embrace of the duvet slows and weighs me down. I wander through tidy Swiss landscapes that I dream of disordering.
As I enter the performance space, night suddenly falls and I am transformed into an inexhaustible revolutionary. 
Behind the wheel of my racing car, I am unstoppable and have the power to put an end to all the capitalist and discriminatory ways of the world.
Night then becomes a fantasised day

Projets de bachelor

Arts visuels

Cinéma

Communication visuelle

Architecture d'intérieur

Design mode

Design produit/bijou & accessoires

Projets de master

Arts Visuels - CCC

Arts visuels - TRANS

Arts visuels - Work.Master

Media Design

Espace & communication

Architecture d'intérieur

Design mode & accessoires

Prix & distinctions